Cambio de Correo Electrónico

Comunicamos a nuestros seguidores y clientes que hemos cambiado la dirección de nuestro Correo Electrónico:

NUEVO CORREO: pardobazantres@gmail.com

CHRISTIAN VILLAMIDE. Coexistencias

Inauguración, viernes 4 de mayo de 2012, a las 8 de la tarde. 
Hasta el 2 de junio.

La obra de Christian Villamide desde sus inicios se aproxima a posiciones minimalistas y povera en un interesante eclecticismo al que añade elementos propios. La naturaleza, el gusto por la utilización de materiales naturales e industriales poco usuales en el arte, el diálogo que su obra establece con la luz, la personal concepción del color y la incisiva ironía y sentido del humor que trasciende de alguna de sus obras son los rasgos más destacables de sus trabajos de la década de los noventa.

Paisajes hirientes. Fotografía. 2012

A inicios de 2000 Christian Villamide se traslada a las islas Canarias y empieza a sentir un mayor interés por la fotografía, instalaciones e intervenciones en espacios específicos. En estos últimos años experimenta una devoción creciente por la naturaleza; en ella encuentra un lenguaje íntimo, casi humano, que le lleva a reflexionar sobre cada uno de sus elementos, interviniendo el paisaje o creando un trabajo de gran intimismo. En 2010 regresa a Galicia donde retoma el pulso de su entorno natal y vuelve a introducir elementos específicos del mismo en su obra.

Danae recibiendo la lluvia de oro. Técnica Mixta. 2012

La exposición Coexistencias que Christian Villamide exhibe en la Galería Pardo Bazán se articula en torno al individuo. Reflexiona sobre la fractura que se produce entre el hombre y la tierra que pisa. Se puede considerar como un itinerario sobre las últimas reflexiones del artista. A través del vehículo de diferentes soportes expresivos tales como la escultura, fotografía, instalaciones, etc, Christian extrae a la superficie la poética de sus emociones contempladas desde la conexión entre el territorio y el espacio con dimensiones expresivas muy sensibles de la materia.

Prefabricados arqueológicos. Técnica mixta. 2012.


Enlace a Youtube entrevista a Christian Villamide en el programa "Tiempo de Arte" de "Correo TV".
Tiempo de Arte. Correo TV. Christian Villamide

MONTSE REGO. La Grieta.

Inauguración, viernes 20 de enero de 2012, a las 8 de la tarde. 
Hasta el 17 de febrero.

É este un proxecto aberto, inconcluso, que naceu, hai agora tres anos, nun momento no que confluíron diversos factores. Por un lado, unha sensación de búsqueda; un sentimento recurrente de andar a buscar o meu lugar no mundo. Por outro, a lectura das obras “La Grieta”, de Doris Lessing, e “La hojarasca”, de Gabriel García Márquez. E, finalmente, o simple feito de que me apetecía realizar un proxecto enteiramente en fotografía. Esta é, de xeito resumido, a orixe de “La Grieta”, formado por un amplo conxunto de fotografías, parte do cal se expón estes días na galería Pardo Bazán.

Tomei prestado o título do libro de Lessing porque, simplemente, me parecía o mellor; adaptábase, e adáptase, perfectamente ao que eu pretendía.

Nestas imaxes aparezo enchendo co meu corpo unha serie de fendiduras, na busca dun lugar onde me atope cómoda, na busca da miña fenda orixe; que ben podería ser, logo, a miña fenda final. Levo posto un vestido de pana verde porque, coma ao protagonista de “La hojarasca”, o vestido, a fenda, “me aprieta en alguna parte”; aínda me sinto incómoda,  descolocada. Coma se fose domingo, sendo mércores.
Montse Rego

Fragmento de "La Grieta", Doris Lessing

“Somos gente de mar. El mar nos creó.... 

... La Grieta es esa roca de ahí (...) y es lo más importante de nuestras vidas. Siempre ha sido así. Somos la Grieta, la Grieta es nosotras. 

... Es un corte limpio que atraviesa la roca y en lo más hondo del cual se abre un agujero profundo, un abismo.

... Miraos. Y miradme. Vamos, mirad. No llevo puesto el cinturón de flores rojas, así que podéis ver cómo soy. Ahora mirad la Grieta, somos iguales: La Grieta y las Grietas.”

Fragmento de "La hojarasca", Gabriel García Márquez 

“Es miércoles, pero siento como si fuera domingo porque no he ido a la escuela y me han puesto ese vestido de pana verde que me aprieta en alguna parte (...) 

he pasado frente al espejo de la sala y me he visto de cuerpo entero, vestido de verde.... 

Me he visto en la redonda luna manchada y he pensado: Ese soy yo, como si hoy fuera domingo.”

Web de Montse Rego

ARTISTAS PARA UNA COLECCIÓN * Eugenio Granell – Laxeiro – Roberto González Fernández – Luis Seoane – Xaime Quessada

Con nuestra habitual exposición de navidad queremos hacer un homenaje a aquellos artistas con los que comenzamos nuestra andadura en 1988.


Con Laxeiro realizamos la exposición inaugural de la Galería en abril de 1988, el artista había preparado expresamente una selección de carboncillos y tintas para dar la alternativa a un nuevo espacio que, en aquellos años, pretendía reivindicar a las vanguardias históricas gallegas así como difundir a los jóvenes artistas que estaban haciendo evolucionar nuestro panorama artístico.

Laxeiro. Nena. Carboncillo. 1975.

Eugenio F. Granell, acababa de realizar su primera gran retrospectiva en el Kiosco Alfonso en los últimos meses de 1987. El genial surrealista coruñés accedió a exponer en la galería sus óleos y gouaches en el otoño de 1988, Tras esta muestra siguieron dos individuales, una en noviembre de 1992 con motivo de la celebración de su 80 aniversario y la antológica de dibujos que presentó en octubre de 1998. Granell también ha estado presente en más de 8 exposiciones colectivas programadas por la Galería.

Eugenio F. Granell. Matrimonio pirotécnico. Gouache. 1988.

Roberto González Fernández, había expuesto su antológica en el Kiosco Alfonso en 1997, y en 1991 realizamos su primera exposición en la Galería “In memoriam”, dedicada a su padre recién fallecido. Tras esta exposición la galería ha realizado más de 15 exposiciones individuales del artista y un buen número de colectivas. Roberto González se ha convertido en el artista con más exposiciones en la galería debido a una buena relación de amistad y su vinculación con A Coruña.

Roberto González Fernández. La Coruña. O/l. 2006.

La relación de Luis Seoane con la Galería se establece a través de su viuda, Maruja Seoane, en 1989. Desde entonces hemos hecho una labor de difusión de la obra del artista en colaboración con su esposa. Fruto de esta iniciativa se realizaron cinco exposiciones individuales: Dibujos (1990), Dibujos para el libro Gil Vicente (1991), Óleos (1992), Témperas estarcidas (1995), Xilografías (1996). También se difundió su obra con 10 exposiciones colectivas.

Luis Seoane. Bodegón de la centolla. O/l., 1975.

Xaime Quessada junto a Acisclo, en 1990 realizaron una gran antológica en el Kiosco Alfonso y desde entonces ha estado ligado a la Galería Pardo Bazán hasta su fallecimiento. Fruto de esta relación la galería acogió una exposición individual de su obra y varias colectivas. 

Xaime Quessada. Muller. O/l. 1999 ca.

En homenaje a estos cinco artistas realizamos esta exposición colectiva en la Galería.

La exposición permanecerá abierta al público durante el mes de Diciembre de 2011 y Enero de 2012, en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes y de 12,30 a 14,00 los sábados.

MAGRI A.J.P. Todo es verdad menos la vida

Inauguración: viernes, 28 de octubre de 2011 a las 8 de la tarde

En esta cuarta exposición que el pintor de Toulouse residente en Pontedeume, Alain J.P. Magri, realiza en la Galería Pardo Bazán se presenta la última obra realizada durante los años 2010 y 2011.

Alain J.P. Magri en sus anteriores exposiciones –“Pincel y Pixel” (2000) y “Destino móvil” (2005) – mostraba a través de cuadros digitales un mundo perteneciente al ámbito del diseño, publicidad y los media que hacía confrontar con la realidad social de nuestro presente en un choque lleno de humor, inteligencia y con un cierto componente irónico hacia lo que nos depara el futuro.

En 2008 con la exposición “Uno visibilidad Cero”, el píxel sucumbe ante la manufactura de unas obras tridimensionales realizadas con productos industriales y objetos cotidianos de nuestra sociedad, que aludían a los procesos transformadores que cambián el sentido y esencia de los materiales o seres. El hombre tras la muerte se transfoma en otras materias que dan continuidad a su esencia. En palabras del artista: “Son pequeños trozos de espíritus sin día ni noche, sin sentido de muerte, sin sentido de vida, donde sólo la luz es nuestra..”.

La nueva exposición que ahora se presenta en la galería, “Todo es verdad menos la vida”, supone un nuevo cambio de su estética tal y como nos tiene acostumbrados en los últimos 12 años. Su obra actual parte de un producto emocional, de composiciones creadas previamente con materiales orgánicos, industriales e, incluso, de fragmentos de su propia obra anterior. Esas naturalezas muertas habilmente combinadas se convierten en los datos que se intervienen informáticamente, en una segunda fase. El resultado es un juego plástico de sorprendente creatividad. Las composiciones libres que el autor ha realizado inicialmente son transformadas en composiciones sistemáticas y aleatorias por tratamientos informáticos. De esta manera ambas formas del proceso se complementan y coexisten.

El artista selecciona el resultado final entre las miles de combinaciones posibles. Este proceso lógico matemático pudiera parecer un sustituto de la organización de los instintos para ser transformados en simetría renovadora de vida. Imágenes gemelas, kaleidoscópicas que generan un sistema sin sistema. El conjunto alucinante de soledad de estas formas libres digitalizadas es tan falso como el verdadero y mucho más pobre, pero tiene un valor fundamental: su existencia, aunque haya sido manipulada como un mundo trivial o una magia amenazante. Intencionadamente el artista ha escogido un proceso de reproducción industrial distante y frío: una especie de infografía de las antípodas (imágenes especulares unidas por un eje). Una verdad transformada en otra y, ambas, tan variables y aleatorias como la vida misma.

Antonio Garrido

ROBERTO GONZÁLEZ FERNÁNDEZ - JACOB´S LADDER

Inauguración: viernes, 18 de marzo de 2011 a las 8 de la tarde

En un pasaje del Antiguo Testamento, Jacob duerme apoyado en una piedra y en el sueño se le aparece una escalera por la que suben y

bajan criaturas celestiales.

Muchas han sido las interpretaciones que se han dado e este pasaje y en la presente serie de pictografías, Roberto González Fernández, presenta como escenarios de ese sueño, una colección narrativa de imágenes semióticas.

En el conjunto de escenas se repite un esquema compositivo que recurre al paisaje con figuras, rodeando una arquitectura diáfana, como un pabellón, de un conjunto heterogéneo de personajes. El clasicismo de la coreo

grafía de cada situación retratada, parece evocar los grandes paisajes de Claude Gellée, también llamado Claude Lorrain.

En los cuadros del pintor del siglo XVII, la perspectiva ocupa el tercio inferior del lienzo y las partes superiores se dedican a la luz. En ese esquema trino, se representan escenas sólo expugnables a través de la lectura del título de la obra homónima. Pues de otro modo al ver el cuadro desde la distancia, sólo observa el visitante un bello paisaje, magníficamente iluminado, en el que unas arquitecturas retóricas y unos personajes de pequeño tamaño hacen progresiones dramáticas en un conjunto de esteticismo elevado.

Del mismo modo en el conjunto de obras pertenecientes a la serie de La escalera de Jacob, de Roberto González Fernández, se observa un paisaje frontal en el que una arquitectura de campo, una ruina caprichosa de un clasicismo revisitado de un jardín del jardinero inglés Capblity Brown o de un pabellón apócrifo del arquitecto posmoderno Philip Johnson, sirve de scenario a una acción teatral. Además hay imperio de la luz, con juegos de claroscuro deliciosos y una composición horizontal repartida en tres franjas que dedica a la tierra la inferior dejando las otras dos a ser ocupadas por la lontananza y la perspectiva.

Hay, pues, un cierto clasicismo en el decoro con el que se ordenan los elementos arquitectónicos de la escena. Y hay además un sentido semiótico en la forma en que se ordenan los personajes dentro de cada escena. Pues en un escenario esencialmente reiterado una y otra vez, se desarrollan acciones tan diversas, cuanto se permite el genio del autor. Y para conocer el contenido de la acción , es propio descifrar la semiótica de los personajes y sus vestidos y también, hacer la lectura del título de la obra para conocer el sentido discursivo de aquello que vemos.

En Claude Lorrain encontramos pues un cierto antecedente al gusto teatral y semiótico de las composiciones de Roberto González Fernández.

Además, no debe escapar a las escenas de RGF, la cita al origen del propio arte dramático en la antigua Grecia.

Los primeros teatros eran espacios, como las escenas de RGF, al aire libre. Aquellos eran lugares circulares en los que se ejecutaban unas danzas, unos coros, unos gestos o ditirambos.

El teatro griego contaba con tres elementos que acompañaban a los tres actores, las máscaras, los coturnos y las ropas.

En las fotografías intervenidas de RGF, hay también una referencia a estos tres elementos del teatro clásico. La más cara se emplea reiteradamente por los personajes que aparecen en cada escena. Es la máscara del héroe, el recurso que busca cada participante en la escena ad hoc, convocado por el artista, para magnificar o evidenciar su presencia en cada coreografía y escena coral.

En la dualidad de pecados y pietismos, encontramos al personaje encarnando la lujuria cubierto con máscara, y además encontramos como representación de la verdad, en otra escena, a la propia máscara romana de la boca de la verdad. La máscara se emplea pues, como recurso escénico teatral en estos pictográmas de RGF, lo mismo que los clásicos las usaban para agudizar la fuerza dramática de la voz o la visibilidad del personaje.

Los coturnos o apoyos para destacarse, son también recurrentes. Hay escaleras que suben en el homenaje al templo de las artes y hay también, cuadrúpedos que sirven de alza para citar al viaje. Hay en fin, un juego del disfraz y en la fotografía dedicada a la baraja española, los colores básicos de las capas de los personajes sirven como iconografía del hábito con significado. También, en la fotografía del juego del Riesgo, todos los personajes aparecen como corifeo vestidos de mono naranaja, otra toma de hábito semiótico.

Pero sin duda lo que destaca sobre las iconografías simbolistas de las creaciones de RGF, es su gusto por la flaneurie más trivial y a la vez más lúdica.

El artista pasea por escenas creando una colección de vicios y virtudes, de recuerdos y olvidos, de visitas y ausencias, sólo imaginables desde la observación caleidoscópica del paseante curioso. Aquel que en un viaje de invierno, en un verano en el mar, en un otoño tropical o una primavera patagónica, se queda maravillado de las progresiones de la gente que vive y que vibra.

¿Qué otra cosa son sino los paisajes con figuras, que las progresiones de misericordia y tentación de todas las generaciones del mundo, todas las noches, todos los días?

Román Padín Otero

MARÍA XOSÉ DÍAZ. 2000 M2.

Inauguración: Viernes, 21 de enero de 2011 a las 8,00 de la tarde.

María Xosé Díaz en su exposición retrospectiva realizada en el Auditorio de Galicia el pasado año, presentaba tres nuevas obras de corte intimista relacionadas con el jardín de su casa, un recinto íntimo en el que la escultora se refugia del exterior y

utiliza como espacio de relajación, requisitos imprescindibles para estimular la inspiración que dará paso a instalaciones, proyectos,

pequeñas obras, etc. Dos mil metros cuadrados de superficie que se convierten en un microcosmos en el que la artista se siente rodeada de las personas que quiere, de los objetos que conforman los elementos básicos de su trabajo y el lugar de su terapia existencial.

En las primeras obras relacionadas con su jardín aparecen novedades antes nunca utilizadas tales como la escayola, material que fusionado con el cáñamo facilita la construcción de espacios compartimentados no oclusos. Calados tabiques en los que el color blanco, la incidencia de la luz y la posibilidad de ser transitados por el espectador permiten la creación de interesantes relaciones visuales y paisajísticas. En otra de las obras presentadas en su exposición retrospectiva la geometría dialoga con la intimidad. Son cubos recubiertos de formas obtenidas con vaciados de escayola que “congelan” las hojas de las plantas de su jardín y crean una nívea epidermis que oculta un interior hermético. La tercera novedad presentada por la escultora son pequeñas ofrendas, blancos contenedores que albergan trozos de cuerda solidificada por el efecto de la escayola, pequeñas ramas y hojas que se muestran como exvotos de las muchas horas de intimidad, pensamientos y trabajo creativo de la propia artista.

En la exposición “2000 M2” que ahora presenta María Xosé Díaz en la Galería Pardo Bazán, casi un año después de su retrospectiva, insiste en su investigación con la escayola como hilo conductor para seguir desarrollando su último proyecto. En ese deseo de atrapar parte de su jardín, su alter ego creativo, y ofrecerlo al espectador presentará una instalación de quince metros cuadrados en la que espacio, sensibilidad y luz son los elementos capaces de generar y transmitir sensaciones al público que la circunda.

La segunda parte de la exposición es la consecuencia del proyecto concebido por Julia Ares y un grupo de artitas en la fábrica de vidrio “El Reflejo” en el otoño de 2010. La mayoría de ellos nunca habían trabajado con ese frágil material y el resultado de los diferentes proyectos creativos se exhibió el pasado diciembre en el Museo MACUF de A Coruña bajo el nombre de “Reflejarte”. Para esa exposición María Xosé Díaz nuevamente presentó unos cubos que, a diferencia con los anteriores de escayola, se hacían permeables dando otra visión complementaria de lo que para la escultora encierra su jardín. En la Galería Pardo Bazán se exhiben cubos de vidrio en los que se fusionan el color y las formas vegetales, junto a las no menos interesantes cajas de luz realizadas con cristal y aquellos objetos que la propia artista incorpora con la intención de querer detener el tiempo del espacio mágico que para ella supone su propio entorno privado. El conjunto de obras que se exhiben en la galería coruñesa es una muestra intimista y sensible en la que la luz, los reflejos y el espacio están llenos de diferentes sensaciones empáticas que, sin duda, atraparán al espectador en el expansivo mundo creativo de María Xosé Díaz.

Antonio Garrido

La exposición permanecerá abierta desde el 21 de Enero al 23 de Febrero de 2011, en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes, y de 12,30 a 14,00 horas los sábados.

FELIPE CRIADO - ...desde las vivencias...

Inauguración: Viernes, 26 de noviembre a las 8,00 de la tarde.

Desde las vivencias del pintor

Antonio Garrido Moreno

La exposición que presenta Felipe Criado en la Galería Pardo Bazán bajo el título "...desde las vivencias...", integra obras de las series "Pompeya", "Teatro" y "Paraguas", realizadas en los últimos cuatro años. Todas ellas están unidas por características comunes que reflejan un momento excepcional en la trayectoria del pintor. En primer lugar podríamos citar la calidad de un dibujo ágil, dinámico, vivaz, que convierte a cada uno de los cuadros en una inyección de vitalidad y optimismo. Un dibujo con el que el artista se siente cómodo y le permite desarrollar un proyecto coherente desde hace décadas. Otro de los factores unificadores de esta exposición son los modelos: la figura humana y, en especial, la femenina, que se adapta perfectamente a los ritmos y a la sensualidad de su dibujo, aportando en algunos casos flexibilidad corporal y en otros unas sutiles dosis de erotismo.

También la coherencia entre estos cuadros se puede definir por el tratamiento del color y la técnica, cualidades que le permite lograr un ambiente confortable, el ambiente que se percibía en las pinturas de los frescos romanos encontrados en Pompeya y Herculano y que dejaron sorprendidos a los arqueólogos europeos de mediados del siglo XVIII. La mayoría de los óleos de Felipe Criado relatan escenas en donde los personajes se relacionan entre sí, creando una sensación de frescura y cotidianidad. La paleta cromática entonada y conjuntada con los arabescos del dibujo transmiten sentimientos positivos al espectador, permitiendo una comunicación más fluida. Pero tras la aparente serenidad de un dibujo armónico surge, compartiendo el espacio pictórico, la violencia de una gestualidad cromática que neutraliza la aparente visión amable, insuflando en la composición los elementos activos necesarios para que coexista un equilibrio de fuerzas entre la línea figurativa y la energía expresiva de la pincelada, estableciendo una armónica convivencia estructurada con la sabiduría de años de investigación.

Otra de las características que definen las series presentadas en esta exposición es el movimiento, cualidad generada por las variadas expresiones corporales de las figuras que a través de escorzos, visiones forzadas y torsiones imposibles, dan al conjunto un aliento de vida y la sensación de una enorme alegría de vivir, haciendo alusión al título de uno de los más bellos cuadros de Matisse en la plenitud de su primera época fauvista.

Felipe Criado conoce bien la historia de la pintura y posee un sustrato iconográfico que alude a las narraciones mitológicas de Ovidio, Homero y otros autores clásicos, un hilo conductor que nos transporta a un mundo grecorromano que el pintor reinterpreta en la distancia temporal de nuestro presente.

Otro de los rasgos unificadores de estos cuadros son los trazados armónicos y las líneas de fuerza que contribuyen a dar a las figuras una exaltación de su expresividad, unos trazados conceptuales que ya en los años de las vanguardias históricas europeas habían utilizado los artistas futuristas para mostrar el dinamismo y la velocidad en su particular manera de concebir y representar la vida. Pero Felipe Criado, buen conocedor de la historia del arte, nos invita en muchos momentos a establecer, también, relaciones con los grandes artistas del pasado como Miguel Ángel y sus personajes de la Capilla Sixtina, o el Picasso de la rotundidad de formas de su etapa Neoclásica, o la persistencia de Cezanne en la búsqueda y representación de la geometría de las formas existentes en la naturaleza y en el cuerpo humano.

El artista en esta exposición nos remite a "sus vivencias" y a su deseo de transmitírnoslas. El pintor quiere hacernos partícipes de todo aquello por lo que se ha preocupado a lo largo de su vida y que ha hecho posible que su pintura no sea algo circunstancial, sino un todo meditado, investigado y generosamente ofrecido al espectador para provocar las sensaciones más placenteras de la belleza sensorial e intelectual.

La exposición permanecerá abierta desde el 26 de Noviembre al 23 de Diciembre de 2010, en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes, y de 12,30 a 14,00 horas los sábados.

MARÍA JOSÉ SANTISO - Residua

Inauguración: viernes, 22 de octubre de 2010

"De una obra abandonada..."

Residua. Samuel Beckett.

María José Santiso en su serie "Residua" -aludiendo a la obra de Beckett-, juega con la recuperación y transformación de las obras inacabadas, terminadas y objetos cuya utilidad inicial fue otra. Embalajes de madera, cajas, contenedores que pierden su función y se convierten en desechos. La pintura se comporta como una epidermis que intenta poner en valor esos objetos inútiles, esos "residuos".

La intención de la artista no es la de incluir la idea de reciclaje en la recuperación de los objetos. Su obra no tiene relación alguna con intenciones ecológicas. Su obra remite al tiempo. Por ello María José en su modo de pintar con sucesivas capas superpuestas -algunas de considerable grosor-, deja intuir lo trabajado a lo largo de todo el proceso.

Los objetos que dialogan con la pintura -palets o embalajes-, hacen referencia a la fabricación, industria o al transporte, y se incluyen como parte de la obra apoyando la narración.

Desde el punto de vista formal la elección del tamaño y geometría de algunas piezas también tiene una función importante, ya que la artista pretende hacer una referencia al objeto mueble, abarcable, manipulable, transportable...

Los colores utilizados son, fundamentalmente, óxidos, ocres, negros y grises, una gama que aporta visualmente más presencia y peso a la obra, haciendo un guiño al componente industrial que posee.

La pintora, aunque da una importancia vital a la idea, también quiere que la obra posea un interés plástico evidente, lo que consigue a través de la técnica. Es por lo que es importante que se llegue a transmitir a través de ambos criterios plásticos la acción desarrollada en el proceso de ejecución. La fabricación de la obra debe de quedar patente.

También es importante en la serie "Residua" el valor individual de cada pieza y, al mismo tiempo, la relación que se establece con el conjunto de las pinturas y con los objetos que potencian la estructura conceptual del discurso.

El espacio de la sala de exposiciones contribuye aún más y se convierte en un nuevo componente que dialoga con los diferentes objetos específicamente distribuidos y con el movimiento que realiza el espectador en su particular recorrido.

Ver más fotos de la exposición en:

http://picasaweb.google.com/pardobazantres/ExposicionMariaJoseSantisoResidua#

La exposición permanecerá abierta desde el 22 de octubre al 12 de noviembre de 2010, en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes, y de 12,30 a 14,00 horas los sábados.

JESÚS OTERO-YGLESIAS - Agenda

Inauguración: viernes, 26 de febrero de 2010 a las 8 de la tarde

Hacer agenda es siguiendo la etimología del término “hacer”, “llevar”, “conducir”, “hacer”. Extendiendo el sentido podemos también entenderlo como “las cosas que se deben hacer”. Hacer la agenda es tener claro lo que se va ha hacer, cuando y de que forma, es clarificar la actividad futura, planificarla, ponerla a andar, evitar los olvidos. La agenda puede ser consultada en cualquier momento para conocer el próximo paso, pero también puede ser revisada retrospectivamente, a fin de comprobar lo que en algún momento hicimos o estuvimos tentados de hacer o preveíamos que estuviese realizado, etc. En su doble proyección hacia el pasado y hacia el futuro, hacia lo previsto o realizado y en dirección a aquello que debe ser hecho o planteado, la agenda es un instrumento útil, un instrumento de la memoria y la previsión. Quizás por eso ya se utiliza como sinónimo de trabajo, tener una “buena agenda” es tanto como decir que no nos falta actividad.

El termino agenda para un artista o una actividad artística puede parecer más anómalo porque se ha vuelto casi exclusivo de la actividad de los profesionales que tienen numerosas reuniones, vuelos, informes, etc.. con una importante presión del tiempo y los plazos de ejecución. Los artistas tienen el bloc de notas, los papeles donde se anotan los proyectos a desarrollar, o los ya hechos, las necesidades técnicas, las personas con las que contactar, a veces son sólo imágenes a veces predominan las frases, o solo palabras sueltas, etc. Lo importante es tener una base sobre la que se asienten los datos, las asociaciones de ideas, la especulación con ideas y datos de la que se obtienen los resultados que luego consideramos obra.

AGENDA es una reunión de imágenes, ideas, apuntes, tanteos y algunas obras u objetos realizados. Un conjunto posible, pues podría haber otros. Un conjunto heterogéneo, pues algunas son imágenes de objetos, otros son imágenes de proyectos especulativos –probablemente irrealizables- para museos, otros son partes extraídas de alguna instalación compleja que no ha podido realizarse todavía, otros son apuntes de proyectos que se han propuesto pero no han tenido oportunidad de hacerse. Un conjunto de imágenes, limpias, austeras sin adornos, sin ni siquiera color, que sencillamente funcionan como una información del trabajo realizado a lo largo de estos años de profesión. Un conjunto de imágenes que al desplegarse por la extensa pared de la galería presentan la apariencia de un pequeño universo con elementos urbanos, medios de transporte, extraños objetos, soles, estrellas, elementos flotantes, elementos naturales, animales, artesanía, etc… dejando de ser, temporalmente, las imágenes de una agenda de trabajo, para convertirse en una única imagen que proporciona una visión panorámica, aun fragmentada y enigmática, de las ideas con las que el artista trabaja.

Esta proliferación de imágenes dispersas formando una imagen única, encuentra su contrapartida en la pared opuesta con una metonimia, un sustituto, de la presencia del artista. La máscara de un mono como símbolo de la imitación, el juego con la realidad, la proyección, la burla, etc… El “observador” solitario del universo de imágenes-ideas, que es también cada uno de los que visitan la exposición.

La exposición permanecerá abierta desde el 26 de febrero al 19 de marzo de 2010 en horario de 19.00 a 21.00 horas de lunes a viernes y de 12.30 a 14.00 horas los sábados.

SANTIAGO CATALÁN. Lunares

Inauguración: viernes, 29 de enero de 2010 a las 8 de la tarde

Santiago Catalán, que desde cativo andou ao carrelo do mundo e mais das súas xentes, decidiu un bo día vir dar en chairego -e non soamente por razóns de consorcio conxugal- coa naturalidade de quen sabe que volve pisar, agora cos pes do corpo, as laxes de tantos camiños antes soamente imaxinados. E así, coa confianza dos que xa son da casa, ven hoxe ofrecérsenos aquí, no ceme da Terra Cha, deixando que xurdan desde o interior dese profundísimo espello que é a pintura unha chea de íntimas promesas que reflicten un mundo de ideas por riba das imaxes, de sentimentos antes que figuras, de desexos por diante da liña e da cor.

Catalán é un pintor certamente agradecido para aaqueles que carecemos de auténtico criterio para opinar de pintura e que nos sabemos incapacitados para entrar no labirinto da súa crítica. E é así porque o seu traballo estimula a ese Freud cativo que todos levamos dentro e convida ao escritor a moverse por espazos que lle son máis propios e nos que diminúe considerablemente o medo a esvarar e, sobre todo, a mancarse na caída.

Pinto mulleres porque iso é o que me sae...", avisa o artista e así o comprobamos os demáis, que sabe se dipoñéndonos a caer no pedante exercicio de lle procurar motivacións de carácter máis o menos arrevesado a un comportamento que, despois da explicación por el confesa, resulta obvio e non precisa de maiores aclaracións. Se cadra poderíamos singularizar o substantivo: Santiago Catalán pinta -ou sente que debe pintar- a muller. E non soamente a femia do xénero humano senón a femia de todas as especies, a que posúe a capacidade xenial de suxerir nos demais cada pinta de vida nova antes de concedela por enteiro. A muller na moura fondura dos ollos amendoandos, na boca xa bicada que se ofrece outra vez, na curva delonga dos lóbulos que pechan a circunferencia metálica do pendente, na insinuante aréola duns peitos sempre túrxidos, na pinga omnipresente do pintado lunar da meixela, na insinuante actitude felina que cada trazo concede.

Ela...

Paco Martín

La exposición se inaugurará el próximo 29 de Enero y permanecerá abierta al público hasta el 19 de Febrero de 2010.

ARTISTAS E INTENCIONES. Exposición colectiva

En el Arte Contemporáneo, desde el Romanticismo hasta hoy, el artista utiliza la creación plástica como un medio para comunicar y transmitir al espectador sus inquietudes personales a través de lenguajes y posicionamientos muy diversos. Ésta exposición reúne a diez artistas que, con planteamientos diversos, logran transferir sus sueños y motivaciones de una manera eficaz y con una indudable capacidad estética. En todos ellos sus propuestas son diferentes, pero todos tienen un indudable compromiso con las diversas motivaciones que les han llevado a plantear sus discursos.

Los artistas seleccionados para esta muestra son: Caxigueiro, Eugenio Granell, Roberto González Fernández, Laxeiro, A. J. P. Magri, Jesús Otero-Yglesias, Soledad Penalta, Emilia Salgueiro, Luis Seoane y Xavier Toubes. Todos ellos son ampliamente conocidos en el panorama artístico gallego y muchos de ellos son, sin duda, parte indiscutible de la Historia del Arte de Galicia.


Caxigueiro presenta obras de la serie “Souvenir de Tifariti”, alude a una experiencia realizada por el artista en tierras saharauis.
Eugenio Granell incluye un gouache de connotaciones surrealistas relacionado con el mundo de la literatura y la poesía.
Roberto González Fernández presenta tres lienzos unidos por la temática del mar con intenciones muy diferenciadas y comprometidas con la sociedad actual.
Laxeiro nos adentra en su mundo de fábulas, tradiciones y leyendas de clara raíz gallega.
A.J.P. Magri reflexiona sobre la sociedad digital y los nuevos comportamientos del hombre con las nuevas tecnologías.
Jesús Otero-Yglesias vuelve su mirada hacia la pintura y su papel comunicador a través de su serie “Museo”.
Soledad Penalta nos introduce en un mundo antropomórfico a través de sus esculturas realizadas en hierro.
Emilia Salgueiro realiza una particular visión sobre la fragilidad de la naturaleza con sus lienzos e instalaciones.
Luis Seoane reafirma las señas de identidad de Galicia a través de sus personajes y situaciones.
Xavier Toubes reflexiona sobre el mundo de la cerámica y las convenciones del arte y la artesanía.


La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 15 de Enero en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes y de 12,30 a 14,00 los sábados.

La Galería de Arte Pardo Bazán colabora con AchegArte en A Coruña

La Galería de Arte Pardo Bazán colabora con el Ayuntamiento de A Coruña en AchegArte, un fin de semana dedicado a la cultura gallega.
En el Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco Alfonso la Galería Pardo Bazán ha instalado un stand en el que muestra la obra de dos de sus artistas: Emilia Salgueiro y A.J.P Magri.

Emilia Salgueiro expone las instalaciones "Espacios orgánicos" y "Bobinas orgánicas", pertenecientes a su última etapa relacionada con la naturaleza.

Enlace de la artista:

http://www.flickr.com/photos/galeriapardobazan/sets/72157622526841637/

A.J.P Magri ha realizado una intervención de su espacio con obras de sus series "Destino móvil" y "Pistilo-Insecto".

Enlace del artista: http://www.flickr.com/photos/alain-jp-magri/sets/72157608138776188/show/

Horario de visita: 28-29 de noviembre de 2009, de 12,00 a 14,00 y de 18,00 a 21,00 horas.

EMILIA SALGUEIRO. "Espacios orgánicos"

Del 23 de octubre al 20 de noviembre de 2009

En esta exposición la escultora y pintora Emilia Salgueiro presenta la última obra realizada durante el año 2008 y 2009. Un proyecto en el que la artista se afianza en el diálogo que ha establecido años antes entre paisaje y naturaleza. Su estética se adapta a los lenguajes de la pintura y la instalación fusionándolos según sus intereses conceptuales. Una estética basada en el juego de los contrarios tanto formal como conceptualmente, de ahí que la naturaleza se encapsule en contenedores artificiales, el paisaje pictórico establece un equilibrio entre la abstracción y las sutiles notas que evocan restos vegetales orgánicos. El color se hace más vivo en estas obras de su última producción y el espacio juega un papel fundamental en la organización de de su obra en relación con la arquitectura de la sala de exposiciones. Emilia Salgueiro en esta exposición alcanza unas notas de lirismo y madurez que consolidan su trayectoria.

Vea más imágenes de la exposición en:

http://www.flickr.com/photos/galeriapardobazan/sets/72157622526841637/

SINOPSIS BIOGRÁFICA

Emilia Salgueiro se inicia en la pintura con un planteamiento realista que cambia, a principio de la década de los ochenta, hacia un expresionismo figurativo. Un universo dramático y apasionado, con atmósferas y espacios que parecen surgir del subconsciente.
Hacia finales de la década de los ochenta la pintora modifica su estilo hacia una abstracción gestual, que sin negar definitivamente la figuración, adquiere intensas notas expresionistas que suelen concentrar su intensidad en el centro de la composición.
A comienzos de los noventa Emilia Salgueiro adquiere un lenguaje propio que desarrolla en la serie “Da terra e a materia”, un grupo de obras que abrazan una abstracción de acentuada materia en la que dualidades de formas sinuosas y orgánicas crean campos de color muy diferenciados que pueden ampliarse intelectualmente más allá de los límites del cuadro provocando una sensación de infinitud evocadora.
Hacia medidos de la década de los noventa su obra experimenta un notable cambio basado en la introducción de nuevos materiales en su pintura que amplían la barrera de lo pictórico. El hierro, el plomo y la madera dialogan yuxtaponiéndose a las superficies de materia pictórica de los años precedentes. Son materiales transformados procedentes de la industria y convertidos en desecho. En un principio estos elementos se incrustan en la materia pictórica para, posteriormente, yuxtaponerse creando fronteras o territorios en permanente diálogo. La artista vulnera los límites superficiales del marco en unos relieves que tienen vocación escultórica.
Paralelamente a estos trabajos realiza una serie de cajas prismáticas que encierran elementos de la naturaleza: huevos de aves, conchas de moluscos, cáscaras de semillas, etc. Conceptualmente se crea una insistente contraposición dual: interior-exterior, brillo-mate, escultura-pintura, claridad-oscuridad, opaco-transparente, abierto-cerrado, orgánico-inorgánico, etc. Emilia Salgueiro se emancipa por primera vez de la pintura adentrándose en el campo tridimensional de la escultura y de la instalación, estableciéndose una estrecha relación con la naturaleza al introducir restos de seres vivos en contenedores inorgánicos minerales.
A partir de 1999 realiza proyectos escultóricos o instalaciones concebidos con soporte de madera y tubos de metacrilato y cobre que contienen en su interior restos orgánicos procedentes del medio natural. Un proceso que habla de la vida y la muerte, de la belleza de la materia y de su putrefacción. La artista fosiliza –en el sentido de fijar histórica y evolutivamente– ese proceso.

En 2006 retorna a la pintura a través de la serie “Un tempo, unha paisaxe, unha materia”, una reflexión poética y conceptual sobre el paisaje pictórico, el paisaje mental y el paisaje natural.
Entre sus exposiciones pueden destacarse las de la Galería Trinta de Santiago de Compostela (1991), Galería Pardo Bazán de A Coruña (1992, 1994, 1999, 2001, 2003, 2007 y 2009); Galería Bacelos de Vigo (1993 y 1995), Galería Clérigos de Lugo o Galería Abel Lepina de Vigo. En las exposiciones retrospectivas institucionales de la Casa de Galicia de Madrid (1996) o del Museo Provincial de Lugo (2003) se ha podido ver la evolución de su trabajo.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 20 de Noviembre en horario de 19,00 a 21,00 horas de lunes a viernes y de 12,30 a 14,00 los sábados.

ROBERTO GONZÁLEZ FERNÁNDEZ. "13 Mulleres"

La mujer no se ha prodigado mucho en la obra de RGF, y mucho menos ha formado una serie compacta como la que ahora se presenta en la Galería Pardo Bazán, siempre ha entrado a formar parte de la iconografía del artista como personajes de su entorno más próximo. Podemos recordar la presencia de la mujer en las series “Hollyrood”, “Segundo Alfabeto” o en determinados cuadros o grabados de sus comienzos como pintor.En esta ocasión, estableciendo un paralelismo con la serie “DEAYM”, RGF convoca a trece mujeres de su entorno más próximo, unidas por el lazo de la amistad y de su tierra: Galicia.A todas les propone la realización de un retrato fotográfico de busto con una cámara de alta resolución y a ninguna le da una explicación concreta de cual es la intención final de la serie resuelta en gráfica digital.En el estudio RGF no interviene la imagen obtenida de cada una de sus modelos, sólo interpone entre la toma fotográfica original un plástico transparente rallado por el uso y el tiempo. Este recurso ha sido utilizado frecuentemente por el artista en muchas de sus series digitales como prefiguración del paso del tiempo. Ahora este velo que tamiza las facciones sirve para enfatizar la idea de permanente amistad, de muchas horas de conversación y vivencias entabladas a lo largo de los años.Los rasgos se han modificado levemente en el transcurso del tiempo pero la relación entre cada una de estas trece mujeres y el artista se ha asentado dejando sus marcas indelebles en sus memorias y en cada rasgo de sus rostros. El gran formato elegido como soporte de la serie potencia con toda intensidad la relación vivida. El resultado son trece retratos femeninos que escrutan al espectador de una forma anónima y directa transmitiendo sentimientos y sensaciones.

La exposición se inaugura el día 22 de mayo y permanecerá abierta hasta el 15 de junio de 2009.

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Vea imágenes de la exposición en:

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Exposición "Twenty One" desde el 27 de marzo

La Galería de Arte Pardo Bazán inaugura el día 27 de marzo la exposición "Twenty One" coincidiendo con la celebración del veintiún aniversario de su existencia. La muestra exhibe obras de los 21 artistas más representativos que han realizado exposiciones en su espacio. Las obras pertenecen a los siguientes artistas: LAXEIRO, EUGENIO F. GRANELL, ENRIQUE SAAVEDRA LÓPEZ-CHICHERI, LUIS CARUNCHO, LUIS SEOANE, CARLOS DÍEZ BUSTOS, OTERO-YGLESIAS, XOSÉ FREIXANES, MENCHU LAMAS, XURXO GÓMEZ CHAO, CAXIGUEIRO, EMILIA SALGUEIRO, SUSO BASTERRECHEA, MARÍA JOSÉ DÍAZ, XAVIER TOUBES, FERNANDO YÁÑEZ, ROBERTO GONZÁLEZ FERNÁNDEZ, MAGRI, LUIS LÓPEZ “GABÚ”, SOLEDAD PENALTA y PACO PESTANA. Permanecerá abierta hasta el 8 de mayo.

Obra gráfica del trimestre

Este trimestre ofrecemos obra gráfica original de artistas de la galería en condiciones especiales. Durante los meses de marzo, abril y mayo pondremos a la venta, exclusivamente a través del blog, obras de Luis Seoane y Roberto González Fernández.

Para recibir la lista de obras y precios contactar con pardobazantres@gmail.com